Insensatez (How Insensitive) - ANTONIO CARLOS JOBIM / LISA ONO (Versiones bossa nova)

“Insensatez” (How Insensitive) es una de las composiciones más elegantes y melancólicas de la bossa nova. La canción fue escrita por Antônio Carlos Jobim, con letra de Vinicius de Moraes, y publicada en 1963. Aunque su apariencia es sencilla y reposada, musicalmente es una pieza extraordinariamente sofisticada.

La canción tiene ese característico carácter de la bossa nova: ritmo aparentemente sencillo, síncopas suaves y una melodía que parece flotar sobre el acompañamiento.

Uno de sus mayores atractivos es precisamente la contradicción entre la serenidad de la música y la tristeza del texto. La melodía nunca parece desesperada; incluso cuando habla del sufrimiento, mantiene una elegancia casi distante. Es una tristeza sofisticada, más cercana a la nostalgia que al lamento.

Además, Insensatez ha demostrado tener una enorme capacidad de adaptación. Ha sido interpretada por artistas de mundos muy diferentes —desde la bossa nova y el jazz hasta la música instrumental— porque su estructura armónica permite que cada intérprete pueda imprimirle una personalidad distinta. En manos de un buen cantante, puede sonar íntima y frágil; en manos de un músico de jazz, puede convertirse casi en un estándar para la improvisación.

Antonio Carlos Jobim

La versión instrumental de “Insensatez” de Antônio Carlos Jobim permite apreciar de una manera especialmente clara la dimensión jazzística y armónica de esta composición. Al desaparecer la voz, toda la atención recae sobre la melodía y sobre ese extraordinario entramado de acordes que caracteriza la escritura de Jobim.

Lo primero que llama la atención es la delicadeza. Jobim no necesita una interpretación exuberante para transmitir la melancolía de la canción. Pero debajo de esa aparente sencillez existe una armonía extraordinariamente sofisticada.

“Insensatez” es probablemente uno de los mejores ejemplos de cómo la bossa nova puede convertir la sofisticación armónica en algo aparentemente sencillo. En manos del propio Jobim, la canción pierde cualquier artificio y queda reducida a lo esencial: melodía, armonía, ritmo y una melancolía extraordinariamente elegante. 

Antes de convertirse en estándar de jazz o en canción de repertorio internacional, Insensatez fue, sencillamente, una maravillosa creación de Tom Jobim.

Lisa Ono

La versión de “Insensatez” de Lisa Ono es especialmente interesante porque lleva la canción
de Jobim a un territorio muy personal: una bossa nova delicada, íntima y extraordinariamente elegante, en la que la voz adquiere un protagonismo diferente al de las interpretaciones brasileñas más tradicionales.

Una de las características más reconocibles de Lisa Ono es su voz suave, ligeramente susurrada y de escasa vibración, que encaja perfectamente con el carácter de Insensatez. En su interpretación, el característico ritmo de la bossa nova está tratado con mucha suavidad. La guitarra y la sección rítmica no compiten nunca con la voz, sino que crean un colchón ligero y envolvente sobre el que Lisa Ono puede deslizarse.

Quizá lo más fascinante sea precisamente la relación de Lisa Ono con la música brasileña. Su interpretación demuestra hasta qué punto la bossa nova trascendió Brasil y encontró un lugar natural en Japón.

Ono no intenta imitar a João Gilberto ni a otras grandes voces brasileñas. Ha asimilado el lenguaje de la bossa nova y lo interpreta desde una sensibilidad propia, caracterizada por la precisión, la contención y el gusto por los pequeños matices.

Lisa Ono convierte “Insensatez” en una pequeña escena nocturna: una voz cercana, una guitarra que apenas se deja sentir, el ritmo suave de la bossa y una melodía que parece flotar en el aire.

Sweet Dream (Andante) - ALEX

Hay canciones e intérpretes a los que uno llega por pura casualidad. Durante una época en la
que rebuscaba música de películas y series coreanas, los famosos K-dramas, que tan de moda han estado para un público ávido de la cultura oriental, escuché una canción de la banda sonora de una película que me fascina, Late Autumn (*). Tanto la canción de la banda sonora, como la propia banda sonora, como la película me perecen de esas pequeñas y desconocidas joyitas por descubrir. 

La canción que promocionaba el trailer de la película, If I Could Bring You Back (*) de un cantante llamado Alex Chu y que paradojicamente no aparecía en su banda sonora (solo en el trailer), me llevó a escuchar algunos temas de este cantante y actor coreano-canadiense. Lo que me lleva a la canción que comento a continuación.

Alex es conocido principalmente como vocalista masculino de "Clazziquai Project", uno de los grupos que ayudaron a popularizar en Corea una combinación de música electrónica, jazz, loungue, house y pop. En 2008 inició su carrera como solista con la publicación de "My Vintage  Romance", su primer album en solitario, caracterizado por baladas y canciones románticas que mezclan tanto el coreano como el inglés, construidas alrededor de su voz cálida, suave y elegante, que bien merecen una detenida escucha y quizás un comentario más adelante.

El tema del que quiero hablar "Sweet Dream (Andante)" se publicó dos años más tarde en 2010 como “Melody” Project Part.1 – Andante, y constituye el primer capítulo de un proyecto musical/dramático de seis canciones que recorre las distintas etapas de una historia de amor.

La canción pertenece claramente al terreno de la balada pop coreana con una estructura sencilla que va in crescendo, con un sonido muy agradable, cuya eficacia está sobre todo en la interpretación, sobre todo en la utilización del falsete al final del tema. Oyendo como la instrumentación va creciendo alrededor de la voz, se entiende porque el tema tiene ese carácter tan cálido, íntimo y casi ciematográfico.

Ese carácter cinematográfico se puede comprobar en el video que adjunto con las imágenes de "Lost In Translation", y creo que no queda nada mal.

She Used To Be Mine - RUFUS WAINWRIGHT & SARA BAREILLES

Ya en octubre de 2015 puse esta canción en el blog nada más descubrirla como el tema principal del album perteneciente al musical "Waitress" de Sara Bareilles. (She used to be mine - Sara Bareilles). Una canción perfecta que interpretada por la cantante es de una belleza arrebatadora. Pero no podía dejar pasar la extraordinaria versión en directo de Rufus Wainwrigt y la propia Sara Bareilles acompañados por la National Symphony Orchestra en el Kennedy Center la noche del 31 de diciembre de 2024. Y es que no es una simple interpretación, es la representación de dos momentos distintos de una misma experiencia emocional.

“She Used to Be Mine” es, en esencia, una canción sobre la pérdida de la propia identidad. Su protagonista mira hacia atrás y descubre que la persona que fue ya no existe del mismo modo. No está hablando simplemente de nostalgia: está haciendo una especie de inventario emocional de todo aquello que la vida le ha ido arrebatando. En el musical, la canción pertenece a Jenna, una mujer atrapada en una vida que no había elegido, en una relación con un hombre que la maltrata y ante un embarazo inesperado. La canción funciona como una especie de conversación íntima con la mujer que fue antes de que las circunstancias la transformaran.

Por eso el texto contiene simultáneamente arrepentimiento, tristeza, ternura y esperanza. Jenna no solamente lamenta lo que ha perdido: empieza a imaginar que quizá todavía pueda recuperar algo de aquella mujer.

Lo fascinante de esta versión a duo, radica en la primera parte del tema interpretado por Rufus Wainwright. Su voz aporta una cualidad diferente a la de Bareilles. Es más teatral, frágil, melancólica y ambigua. No parece interpretar la canción como una mujer atrapada en unas circunstancias concretas, sino como alguien que está contemplando desde cierta distancia a la persona que fue. Wainwright convierte la primera sección casi en un monólogo interior.

Su manera de frasear transmite cansancio, pero no desesperación. Hay una especie de resignación elegante. Cuando canta las descripciones de aquella mujer imperfecta, parece estar acariciando un recuerdo. Y esto produce un efecto muy interesante: la canción deja momentáneamente de pertenecer exclusivamente a la protagonista. La historia se vuelve universal.

Y entonces aparece Sara y como creadora de la canción y conocedora de su arquitectura emocional vuelve a esa dimensión confesional, alcanzando un momento culminante cuando ambas voces convergen definitivamente y la canción alcanza su máxima intensidad.

En definitiva, esta versión me parece musicalmente extraordinaria porque no intenta demostrar lo buenos cantantes que son Bareilles y Wainwright. Hace algo mucho más difícil: utiliza las diferencias entre sus voces, el piano y la orquesta para convertir una canción sobre la pérdida de identidad en una pequeña pieza de teatro musical sin escenario.

Hacía tiempo que no oía y sentía algo igual.

Once Before I Go - PETER ALLEN / JOHNNY MATHIS / BARRY MANILOW

Hay canciones que hablan de una despedida y otras que parecen convertirse en una despedida. "Once Before I Go", de Peter Allen, pertenece claramente a la segunda categoría. Es una de esas composiciones en las que la música y la letra avanzan juntas hacia un mismo lugar: el momento inevitable de decir adiós. “Once Before I Go” pertenece al álbum Not the Boy Next Door, publicado por Peter Allen en 1983. El álbum legó en una etapa madura de su carrera. Fue su primer trabajo para Arista Records, y consiguió colocar varias canciones en las listas de Adult Contemporary estadounidenses, entre ellas Once Before I Go.

Peter Allen fue uno de esos artistas difíciles de encasillar. Nacido en Australia en 1944, fue cantante, pianista, compositor y extraordinario artista de directo. Su carrera se desarrolló principalmente entre Australia y Estados Unidos, donde llegó a convertirse en una figura muy reconocida de la música popular y del espectáculo. Peter Allen no era solamente un cantante que interpretaba canciones; era un artista que sabía contar una historia desde un escenario. Once Before I Go funciona especialmente bien dentro de esa tradición de la gran balada interpretada casi como un pequeño monólogo emocional.

La canción ha tenido una segunda vida muy importante fuera de la grabación original de Peter Allen.

Johnny Mathis grabó “Once Before I Go” para el álbum Johnny Mathis Sings the Great New American Songbook, publicado en septiembre de 2017. Mathis posee una de las voces más características de la canción romántica norteamericana: elegante, suave y extraordinariamente controlada. En sus manos, Once Before I Go se acerca más al concepto de standard romántico que al carácter confesional de Allen.

Hay otra versión que merece mucha atención: la de Barry Manilow. Manilow ha grabado recientemente Once Before I Go para su álbum What a Time, publicado en 2026. La canción fue lanzada como sencillo en septiembre de 2025 y supone una elección muy coherente con la personalidad artística de Manilow: otro gran intérprete de la tradición de la balada adulta, melódica y emocional.  Barry Manilow enfatiza la melodía y la convierte en una gran balada pop de corte clásico. De hecho, que Manilow haya escogido esta canción tantos años después dice bastante de su calidad como composición.

Momentum - AIMEE MANN

Hay pocos compositores capaces de diseccionar el desamor, la vulnerabilidad y la condición humana con la precisión quirúrgica de Aimee Mann. Con una voz inconfundible —cálida, directa y desprovista de adornos innecesarios—, la cantautora estadounidense ha consolidado una carrera impecable al margen de las modas comerciales. Su estilo combina el folk-pop de orfebrería con letras afiladas e inteligentes que retratan personajes imperfectos en busca de redención. Mann no busca el dramatismo estruendoso; su fuerza reside en la contención, en la belleza de una melodía impecable y en esa honestidad brutal que hace que cada una de sus canciones se sienta como una conversación íntima a medianoche.

Extraída de la inolvidable banda sonora de Magnolia (1999) —obra donde la música de Mann funciona casi como un personaje más dentro del relato de Paul Thomas Anderson—, "Momentum" es una joya de ritmo urgente y lirismo punzante. La canción captura a la perfección esa sensación de estar atrapado en la inercia del propio caos, donde el miedo a repetir los mismos errores choca de frente con la necesidad imperiosa de avanzar.

Apoyada en una lánguida línea de bajo y un ritmo de batería persistente que evoca el tictac del tiempo, la producción envuelve al oyente en una atmósfera psicodélica y melancólica a la vez. 

Mientras la película avanza hacia su clímax, "Momentum" sirve como el vehículo perfecto para conectar las vidas cruzadas de sus personajes, demostrando por qué esta colaboración le valió a Mann una nominación al Oscar y el reconocimiento definitivo como una de las grandes narradoras del pop moderno.

Muchacha Ojos de Papel - SPINETTA / LITO VITALE / FITO PAEZ / GABO FERRO

"Muchacha (ojos de papel)" no es solo una canción; es una de las piezas fundamentales del
ADN cultural de Argentina y de todo el rock en español. Fue lanzada en 1970 como el tema de apertura del álbum debut de Almendra, la banda liderada por el legendario Luis Alberto Spinetta.

La canción fue escrita por un Spinetta adolescente (tenía unos 19 años) para su primer gran amor, Cristina Bustamante. La letra es una súplica romántica, pero cargada de una poesía surrealista que rompió con las estructuras tradicionales de la música romántica de la época. Con el tiempo la canción se ha convertido en un himno generacional y está considerada como una de las mejores canciones del rock argentino.

De todas las versiones de este tema, para mi gusto nadie como Lito Vitale ha sabido captar con su versión instrumental al piano, la sensibilidad, inocencia y carga emocional de la letra de esta canción.

Fito Paez también tiene una versión cargada de sensibilidad con su característica voz y su particular estilo. 

El polifacético cantautor y poeta argentino Gabo Ferro, tiene esta maravillosa versión en directo acompañado al piano por Lito Vitale. Impresionante.

 

Plus Fort Que Nous - NICOLE CROISILLE & PIERRE BAROUH / MELODY GARDOT & PHILIPPE POWELL / IVAN LINS & WANDA SÁ

"Plus Fort Que Nous", es una de las piezas más emblemáticas y emotivas de la banda sonora de la película "Un hombre y una mujer" (1966) de Claude Lelouch. Compuesta por Francis Lai con letra de Pierre Barouh que además la interpreta acompañado por Nicole Croisille, es una canción que definió el sonido romántico del cine francés de los años 60.

Musicalmente, es una fusión brillante y sofisticada que mezcla la orquestación francesa (cuerdas dramáticas y melancólicas) con el ritmo de la samba y la bossa nova brasileña, que estaba muy de moda en esa época. El uso del piano y las armonías vocales suaves refuerza esa sensación de confidencialidad y romanticismo modetno que definió la estécica del cine de Claude Lelouch.

El título resume el tema central de la película: la inevitabilidad del amor, de un sentimiento que escapa al control de la razón; no importa cuánto intenten resistirse o racionalizar su situación, la atracción y el destino son una fuerza superior que los arrastra.

La canción no solo ayudó a que la banda sonora se convirtiera en un éxito mundial, sino que se transformó en un estándar del pop francés.

Esta canción ha sido versionada por. numerosos artistas, consolidando a Francis Lai como un maestro en capturar la esencia del romance cinematográfico.

La versión de Melody Gardot y Philippe Powell es una reinterpretación exquisita que destila intimidad y minimalismo. Incluida en su album colaborativo de 2022 "Entre Eux Deux" esta versión se despoja de todo artificio y se reduce exclusivamente al piano de Philippe Powell (hijo de la leyenda brasileña Baden Powell) y la voz de Gardot. El resultado es una conversación susurrada entre dos personas, o que refuerza la vulnerabilidad de la letra. Aunque la canción original ya coqueteaba con la bossa nova, la sensibilidad de Powell (a quien Gardot llama "el Bill Evans de Brasil") le otorga un aire de saudade brasileña mucho más marcado. El piano no solo acompaña, sino que baila con la voz, creando un espacio sonoro donde el silencio es tan importante como las notas.

Si la versión de 1966 era el estallido de un amor cinematográfico, la de Gardot y Powell es el eco de ese amor en una habitación a media luz, es elegante, profundamente europea y de una belleza frágil que cautiva desde la primera nota.

La versión de Ivan Lins y Wanda Sá representa el cierre de un círculo artístico perfecto. Si la composición original de Francis Lai ya bebía directamente de la bossa nova, esta interpretación brasileña devuelve la canción a su "hogar" rítmico.

Esta colaboración une a dos instituciones de la música brasileña: Wanda Sá, una de las voces fundamentales de la bossa nova de los años 60, e Ivan Lins, uno de los compositores y cantantes má laureados de la música popular brasileña. La combinación de la voz cristalina y ligera de Wanda con el estilo aterciopelado y armónicamente sofisticado de Lins crea un contraste delicioso.

En resumen, una versión que es la prueba definitiva de que "Plus Fort Que Nous" es, en su ADN, una bossa nova francesa. Una interpretación elegante, rítmica y profundamente acogedora que invita más al disfrute que a la introspección.